Reseña: 59 Muestra de cine - Las montañas deben partir de Jia Zhang-ke

Las montañas debe partir (Shan he gu ren)
China-Francia-Japón, 2015, 131 mins.
Director: Jia Zhang-ke. Guión: Jia Zhang-ke. Fotografía: Yu Lik-wai. Música: Yoshihiro Hanno. Reparto: Zhao Tao (Tao), Zhang Yi (Zhang Jinsheng), Jing Dong Liang (Liangzi), Zijian Dong (Dollar), Sylvia Chang (Mia) 

Me lancé a cubrir algunas de las películas en la 59 Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional, está película me hizo llorar un buen, por razones y por la vida </3 En fin. Acá les dejo la reseña, está súper bonita y les recomiendo que vayan a verla cuando pase por su ciudad (y que no piensen mucho en su yo del futuro cuando la vean):

“El pasado nunca muere, de hecho, el pasado ni siquiera es pasado” escribía Faulkner en su Requiem for a Nun. La película de Jia Zhang-ke juega con el tiempo como hilo conductor de las historias de sus personajes: Zhang y Liangzi, amigos desde la infancia que cortejan a una bella y joven Tao, una chica que baila con los Pet Shop Boys de fondo e irradia vitalidad y coquetería.

A finales de los 90, en una China en plena transformación, ella debe elegir con cuál de los dos se quedará y a partir de ahí, decidir el desenlace de la historia.

No es coincidencia que justo después de tomar esa decisión, aparezca en pantalla la cortinilla que anuncia el comienzo de la peregrinación sentimental de los personajes.

Después de las risas y tonterías juveniles, se dibuja un drama de bajo perfil: el drama de lo cotidiano, de la adultez y el hastío que invade las vidas urbanas de se quedaron con la añoranza de las promesas. La sonrisas de Tao se ve reemplazada cada vez más por lágrimas y silencios, la vitalidad de Liangzi por una resignación y una enfermedad causada por las horas de trabajo en las minas. El entusiasmo de Zhang es ahora una constante ansiedad y Dollar, el hijo que tuvo con Tao, un joven alienado y sin una motivación clara.

Lo único que les queda a estos personajes son los recuerdos: una canción (Westlife, que se vuelve un leit-motif en la vida de Tao), una invitación empolvada para una boda y visitar el lugar donde eran más felices e inocentes.

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Reseña: Europa, Europa - Agnieszka Holland

Título Original: Hitlerjunge Salomon
Director: Agniezska Holland
País: Polonia, Alemania
Año: 1990
Idioma: Alemán, Ruso, Polaco
Reparto: James Stewart, Kim Novak

Agniezka Holland es considerada unas de las mejores directoras del cine polaco, quién tiene una interminable lista de películas hechasen su país y algunas producidas en América. Sin duda ella ha descubierto el secreto de hacer una buena película "a la Hollywood", sin sacrificar su aire Europeo.

Justamente Europa, Europa es muestra de ello. Es un tema que ha sido representado hasta la saciedad: El nazismo. Y mientras algunos se quejen de que hay otros momentos en la historia que también fuero devastadores--y que sí los hay, y que también hay pocas películas al respecto--yo pienso que todos tienen una historia que contar, sí por cada víctima del nazismo se hiciera una película tendríamos una infinidad de visiones, y creo que es lo que el cine ha menormente logrado.

Desde niños en Francia que ven a sus compañeros partir a un campo de concentración, como en Au revoir les enfants, a una mujer que debe elegir entre sus dos hijos para que uno viva y otro muera como en Sophie's Choice, y así, cada quién con su tragedia personal. No digo que no hacen falta películas históricas de otros momentos: La revolución rusa, la Primera Guerra Mundial, las bombas en Hiroshima y Nagazaki, las guerrillas de Latinoamérica, pero tampoco puede echar por menos al cine del nazismo, que bien podría ser todo un género aparte.

Bien, antes de meterme en cuestiones más políticas de la industria del cine, creo que debo decir que Europa, Europa está basada en hechos reales y que el protagonista en verdad existió, lo cuál parece casi inverosímil pero sí, es un raro caso en la historia nazi.

Un chico judío, Solek, que debe esconderse para sobrevivir, haciéndose pasar por un alemán, estando en tropas e incluso, yendo al colegio de la Juventud Hitleriana y siendo casi un héroe de Alemania por sus servicios al frente.

Muestra básicamente las desventuras que Solek atraviesa, el enamorarse de una chica alemana y no poder tener relaciones para no evidenciar su descendencia judía, la compasión que despierta en algunos adultos aún no tan ideologizados por el nazismo.



El ritmo de la película es rápido y atrapante, dándote tensión cuando debe, drama cuando es necesario y sobre todo, entreteniéndote por unas buenas dos horas que realmente no se siente.
Es como dije antes, interesante ver todas las visiones--valga la redundancia--que hay sobre este periodo, del cuál se ha dicho tal vez mucho pero que no se agota. No es nada genial, y en el cine, esta película pasa a ser más bien anecdótica.

3/5

@eloisacb

Reseña: Michael, crónica de una obsesión - Markus Schleinzer

Título Original: Michael
Director: Markus Schleinzer
País: Austria

Idioma: Alemán
Año: 2011
Reparto: Michael Fuith (Michael), David Rauchenberger (Wolfgang), Christine Kain (Madre), Ursula Strauss (Hermana).

Estrujante, estremecedora, real. Es cine duro, en el sentido del tema que trata, pero accesible a todos, mostrando una cruda y perturbadora realidad. La recomiendo ampliamente.

Nos habla sobre la vida diaria de Michael, quien tiene a un niño de diez años secuestrado en su sótano y la vida diaria de éste hombre.

A simple vista pareciera aburrida, con la rutina de Michael, divida entre el trabajo y las solitarias cenas frente a su televisor. Pero el secreto que guarda es lo que realmente pone al espectador en guardia, creando el rechazo inmediato a lo que sólo tiene un nombre: un monstruo.

Michael no nos explica a su personaje, ni cómo llego a aquél estado de cometer un crimen tan innimaginable para muchos, es más bien una ventana a una vida perturbada y perturbadora. Es ver la relación entre padre-hijo/secuestrador-secuestrado entre Michael y Wolfgang, el niño de 10 años a quién tiene atrapado.

La película en ningún momento tiene escenas morbososas, de desnudos ni de maltrato al pequeño. Tan sólo percibimos el comportamiento anormal pero pasable, de Michael en su entorno social y la desesperación silenciosa de Wolfgang.

Me ha encantado el manejo del director en cuánto a la relación de Michael y Wolfgang, que tan sólo refiere sutilmente como la de un pedófilo abusando de un niño, sin realmente mostrar nada con el lente. Michael es, como mencione, extraño e idescifrable. Imposible no sentirse incómodo mientras se le ve en un viaje de negocios o con sus familiares. 

El final demuestra que Schleinzer gusta de jugar con la imaginación del espectador, dejando abierta a posibilidades lo que ha sido del raptor y el secuestrado, tras el desenlace de los eventos que van ocurriendo durante la cinta.

5/5

Reseña: Alemania, año cero - Roberto Rosellini

Título Original: Germania, anno zero

Director: Roberto Rosellini
País: Italia
Año: 1948
Idioma: Italiano
Reparto: Edmund Moeschke, Werner Pittschau, Barbara Hintz, Franz Krüger, Alexandra Manys, Erich Gühne

Edmund, un niño de doce años, intenta sobrevivir a las duras condiciones de la postguerra alemana, especialmente en Berlín, una ciudad que ha quedado completamente derruida tras la Segunda Guerra Mundial.

Dicen que la primera regla para dar un comentario sobre una película es no leer otros comentarios. Bueno, está película me dejó sintiendo un no sé qué que me hizo hacer caso omiso de le regla número uno. En fin, decidí que no estaba totalmente preparada para escribir sobre Rosellini ni por favor y creo que hice bien. Hace poco tuve la oportunidad de volver a ver la película y esta vez la vi con ojo diferente, con menos desconcierto.

En la película se nos retrata a una alemania devastada por la segunda Guerra Mundial, por la derrota y por el fantasma del nazismo. Pero Rossellini no retrata el conflicto político postguerra, si no lo que el pueblo sufrió por las decisiones de su gobierno y de Hitler.

Devastados y sin ayuda de nadie, pues se habían ganado el odio de todos, los alemanes se enfrentaron a una de sus más grandes crisis.

Nos asomamos a la vida de una familia común alemana, en donde todos viven con miedo, con enfermad y con melancolía ante un panorama perdido y desolada como las tomas que Rosellini tiene de fondo. Era un momento histórico que él quería retratar y aprovechó la misma Alemania derruida como set.

Nuestro antihéroe es Edmund, un niño de doce años quién siente la desesperación de ser el responsable de salvaguardar el bien de su familia con un padre enfermo, un hermano fugitivo y con amenaza de ser asesinado y una hermana que, por ser mujer en aquellos tiempos, su única fuente de ingresos podía ser en los burdeles.

El niño hará todo lo posible por llevar comida a su casa y dinero para pagar la renta. Sin muchas opciones, se junta con una pandilla de chiquillos que viven del hurto y la prostitución. 

Es justamente esa la mejor parte del manejo de la película. Más allá del conflicto de Edmund, vemos a la generación que se hizo adulta tras la guerra, aquella que en su infancia vivió los horrores de perder familiares y quedar a expensas de su suerte. Como esos niños se volvieron los adultos que después decidirían el futuro turbulento de Alemania.

Se ve la miseria y el resentimiento de los marginados, de la juventud, del futuro Alemán. Se ve cómo sobrevivían, lloraban y reían en un firmamento que parecía el final o inicio de algo incierto.

Alemania año cero es un excelente muestra del neorrealismo italiano, que plasma la realidad social tras la SGM. Es un retrato de un pequeño sector de la población que hasta hace poco era aún ignorado, la infancia y como su medio crea y moldea el futuro social.

Es también interesante hacer el contraste con la crisis de edad que se vivía en los Estados Unidos, el lado B de este periodo. Eran también jóvenes que comenzaron la decadencia: El Rock and Roll, los carros y las carreras, Rebeldes sin causa y Holden Caulfields por doquier. Mientras que en Alemania, era mayor la supervivencia y la delincuencia por cómo había terminado para ellos la Guerra.

En fin, eran esos los pensamientos que rondaban mi cabeza, ahora, les recomiendo vean la película con esa mirada social, de disfrute cinematográfico pues es una historia ciertamente estrujante y con muchos matices que en una entrada no puedo tratar del todo o se me haria infinita.

Reseña: Nordzee, Texas

Título Original: Nordzee Texas
Otros títulos: North Sea Texas; Texas, Mar del Norte
Director: Bavo Defurne
País: Bélgica
Año: 2012
Idioma: neerlandés estándar (Alemán-belga)
Reparto: Jelle Florizoone and Mathias Vergels

Como sabrán, mi adicción por las coming-of-age film está fuera de control y me encanta ver de todo tipo, tanto viejas, como nuevas. Noordzee, Texas –traducido como Texas, Mar del Norte—es una película estrenada en 2011 que recibió varios premios dentro de festivales LGTB. ¿Cómo la encontré? La verdad no lo recuerdo, pero sinceramente ni siquiera sabía qué esperar de ella.

Pim es un niño que desde pequeño ha mostrado tendencias homosexuales, ha crecido con una madre egoísta que sale a bailar en las noches y tiene un amante que disgusta a Pim. Ese descuido lo lleva a pasar muchas tardes en la casa de sus vecinos, en donde conoce a Gino, un chico unos tres años mayor que él.

Gino y Pim crecen juntos como grandes amigos, pero pronto esa amistad se vuelve algo más. Ambientada en los 70’s, su relación la ocultan y nadie sospecha nada acerca de ellos. Un amor adolescente, de por sí complicado, se vuelve imposible para Gino, quién se preocupa por lo que pueden pensar de él y su familia, dejando a Pim y emigrando a otro país en busca de mejores oportunidades y una mujer con quien casarse.  

Así comienza un periodo de tristeza, frustración y melancolía para Pim, quien a travesará la dura separación de la persona que ama en un ambiente que le parece hostil e indiferente ante sus preocupaciones.  El tiempo pasa y Pim, intentará buscar otros amores—lo cuál parece querer encontrar en un Gitano que llega a vivir a su casa—y olvidar a Gino.

En sí, me parece que la película tiene muchas flaquezas: es una buena historia pero deja muchos huecos y apenas trata temas relevante como la relación de Pim y su madre, la relación de Pim y la familia de Gino, el hecho de que la hermana de Gino se enteré de la relación que mantuvieron él y Pim cuando adolescentes y la enfermedad de la madre de Gino la cual consumo su vida. Todo eso aparece en la película pero son sólo un accesorio, para que te formes una idea de las tristes vidas de estos muchachos, quienes sólo se tienen uno al otro.

Tampoco vemos un gran conflicto en el personaje de Gino, quien sólo desaparece para no volver a Pim durante varios años. Sí bien, se muestra de forma más sutil y poética la soledad de Pim con tomas abiertas de carreteras, el mar y los pastizales desolados, en donde alguna vez Pim compartió momentos con Gino.

Lo que definitivamente admito es que la actuación de ambos es genial e impecable,  y la química que tiene en pantalla es más que natural; increíble puesto que es el debut fílmico de dos jóvenes promesas en el mundo del cine.

Es claro, una película que trató de forma fina y delicada el amor de estos chicos, algo que puede ser muy difícil de lograr en los films de temática gay, mostrándonos que es un amor tan intenso y tierno como el de cualquier adolescente descubriendo dicho sentimiento y entregándose por vez primera a una persona. Sin duda, lo mejor del filme es ver cómo de amor se puede pasar al vacío y la indiferencia muy rápidamente. Con tomas tiernas que transmiten aquellos sentimientos, una paleta de colores perfectamente cuidada y un tema musical excelente, todo eso suma puntos a favor para que Noordzee, Texas sea tal vez una de las películas gay más sensuales y delicadas que haya visto, que sin duda, es diferente al resto ya que la intensa relación entre Gino y Pim se desarrolla de una forma maravillosa que al final te hace decir ¡Sí, esta película es especial!

Reseña: La infancia de Iván - Andréi Tarkovski

Título Original: Ива́ново де́тство (Ivanovo detstvo)
Director: Andrei Tarkovski
País: Unión Soviética
Año: 1962
Idioma: Ruso
Reparto: Nikolai Burlyayev, Valentin Zubkov, Yevgeni Zharikov, Stepan Krylov,Nikolai Grinko

Justo hoy vi la película y hoy mismo hago la reseña, no sé, intento ser más disciplinada con el blog o si no se me junta todo al final. En fin, la película que les comento hoy es La infancia de Iván de Andréi Tarkovki.

Lo primero que me llamó la atención fue el argumento: un niño que se infiltra en el ejército Rojo para combatir tropas alemanas. Siempre había escuchado y visto fotografías de niños que se unían al ejército, pero esta ha sido la primera película que vi al respecto.

Lo que me ha gustado más es como Tarkovski nos permite centrarnos en el personaje de Iván, un niño que se ha vuelto hombre de una manera abrupta. Dentro de él queda poco de ese espíritu infantil, sin embargo, aún lo vemos sonreír cuando se encuentra con  Kholin, su protector, de quién no queda claro el parentesco, pero que no afecta al seguimiento de la trama.

Lo interesante de ésta película es la habilidad de Tarkovski de comparar la realidad, cruel, oscura, devastada, con el mundo onírico de Iván a través de secuencias en dónde vemos lo que sueña: el campo, su madre, los juegos con otros niños y él mismo limpio, sano y alegre.

Fotografía de un niño en la guerra

Es un filme fuerte y desgarrador, una expresión máxima del realismo social y de los temas frecuentes en aquella época: los niños y adolescentes atrapados en el mundo de la guerra como en Alemania, año cero o El limpiabotas, por citar algunas. La narrativa es innovadora, mezclando sueño, realidad, recuerdos, fragmentos pasados y un uso muy inteligente del sonido, para denotar la presencia de los alemanas sin tener que mostrarlos en camera durante todo el filme.

En Iván siempre hay añoranza y una profunda tristeza, una sed de venganza, un enojo y una ira acumulados de golpes, afectando la psique de un niño. Es una denuncia hecha de manera bellísima por el lente de Tarkovski que nos regala simbolismos, tomas casi surrealistas y paísajes devastadores pero poéticos. Es sin duda una obra maestra que siendo sincera, tendré que ver de nuevo, pues creo que algunas cosas no las he terminado de comprender.

¡Gracias a Criterion Collection y café El Péndulo por la hermosa joya cinematográfica!

Reseña: Dans la maison (En la casa)

Título Original: Dans la maison

Director: François Ozon
País: Francia

Año: 2012

Idioma: Francés
Reparto: Fabrice Luchini, Kristin Scott Thomas, Ernst Umhauer, Emmanuelle Seigner, Bastien Ughetto

Dans la maison llegó con el Tour de Cine Francés, y debo admitir, fue una grata --muy grata--sorpresa. Pese a que la vi el fin de semana pasado, aún sigo pensando en ella como una de las mejores películas que vi este año. Probablemente lo sea, probablemente también exagero, pero es por este tipo de historias que mi amor al cine ha ido creciendo. Por esa capacidad que algunas películas tienen de sorprenderte constantemente y dejarte con esa sensación de que no te lo dijeron todo, pero aún así, sí te dijeron lo suficiente.

Dans la maison está basada en una obra española llamada "El chico de la última fila", de Mayorga; aunque Ozon la adaptado libremente y le ha quedado una pieza que nos mete en la ¿retorcida o creativa? mente de un joven narrador, que atrapa a su maestro de literatura y a su esposa, metiendose de forma indirecta en la vida de la pareja, mientras observa la vida de una familia "normal" para poder contar su historia.

 

Todo comienza cuando Germain, un maestro de literatura algo frustrado por el poco interés de sus alumnos en la clase y el casi nulo esfuerzo que hacen en la redacción de sus tareas, se topa con una tarea que sobresale de las demás, un texto que escribe el tímido Claude Garcia acerca de su último fin de semana en la casa de su compañero Rapha.

Claude describe como se logra meter a la casa de su compañero, la cual deseaba explorar desde hacía tiempo, y como se las arregla para curiosear por hay. "Basta por hoy" se dice así mismo. Y es justo en ese momento cuando un particular olor llama su atención y lo hace continuar "el olor particular de mujer de clase media", una descripción algo mordaz de la madre de su compañero.

Es su forma de captar y describir la realidad lo que hacen que Germain y su esposa, Jeanne, se interesen por ver que trama esté chiquillo, y claro, de fisgonear en la vida de una familia de clase media.

Claude es el brillante alumno que se encarga de retratar a esta "familia normal"; un muchacho de dieciséis años con el poder de seducir con las palabras, de describir actitudes banales de la "clase-media" con sorna y perspicacia, creando una obra de ficción que se irá complicando y mezclando con la realidad hasta los límites más peligrosos. Claude se hace adicto a la vida de los "Raphas", es un adolescente con una vida del carajo que quiere ser parte de la normalidad que aparentan los personajes de su cuento. Y así como Claude no tiene suficiente de la familia normal, Germain comienza a descubrir los placeres del vouyerismo indirecto incitándolo a continuar.

Ozon hace un excelente manejo de los elementos que le permiten meter la película al ser una reflexión sobre el proceso creativo; nos mete de todo un poco (suspenso, bildungsroman, amor, comedia, sátira iconoclasta) pero sin qué termine siendo una parodia mal lograda de contar historias. Y también, el director pone el dedo en la llaga, de la tan moderrrna polémica entorno a la muerte de la "familia nuclear" por esto de la moderrrnidad. Es una reflexión al interior de un individuo desprotegido ante la sociedad, Claude, un
adolescente que fue un niño abandonado por su madre y que creció con un padre borracho, anhela la "normalidad" de la estereotípica familia, que si bien puede ser un modelo obsoleto (madres frustradas, abandonadas emocionalmente; padres al borde de un infarto), es el modelo que viene de hace años y que en el fondo, sea el que le da a los individuos más pequeños u faltos de conocimientos sobre teorías sociales y demás locuras, la seguridad en este mundo ya de por sí muy caótico.

El desesperado adolescente mezcla realidad y ficción para
satisfacer sus deseos

Por otra parte, la película no sólo hace alusión a algunas grandes obras y sus autores, sino también, es una mirada diferente al proceso creativo de la escritura, de saber continuar, de describir, observar...
Siempre he creído que escribir es como estar en otra realidad, cuando lo haces no eres del todo tú mismo y a la vez, es cuando más autentico y honesto llegas a ser.

Claude, como cualquier chico con una mente creativa, ve la vida de una manera diferente...siempre preguntándose que puede ocurrir en las casas que desde fuera observa, siempre preguntándose que historias nos podrían contar. Un personaje complejo, con una soledad en el alma que escapa a través de sus fantasiosas historias. Al final eso es parte de la magia de esta película, ¿Qué ha sido real y qué sólo ha ocurrido en la mente de Claude? 

Un relato que si bien no es común, me ha dejado con esa emoción que es difícil encontrar en una película. No lo sé, tal vez me ocurra en 1 de cada 20, pero cuando ocurre es genial. Sólo me queda una palabra para describirla: ¡Magnífica!

Review: Los Coristas

Título Original: Les Choristes
Otros títulos: Los chicos del coro
Director: Christophe Berratier
País: Francia
Reparto: Gerard Jugnot, Jean Baptiste Mournier, Francois Berleand
Año: 2004

La primera vez que vi Les Choristes (Los coristas) fue en la secundaria, la maestra de francés nos puso este film para practicar el idioma, aunque claro, aquella vez apenas y pude prestarle atención porque:

1) todo el mundo estaba hablando y gritando y era imposible entender lo que decían.

2) en la secundaria ver un film es igual a aprovechar para hacer otra cosa.

Sin embargo, recuerdo muy bien que me encantó la manera en que la película estaba filmada: las escenas en ese internado, los uniformes de los niños y claro, esa ambientación "post-guerra". Asi que, sin entender una sóla palabra, creo que podemos denominarla como un film visualmente muy hermoso y que atrapa tus pupilas de manera que se queda en tu mente para que mucho después la veas...y después hagas un review sobre ella.

Debo admitir que me gustó a pesar de ser una película muy simple. Aunque dice ser un drama me parece más un melodrama. 

Nos habla de un reformatorio en donde los estudiantes son "controlados" por terribles y crueles políticas educativas, que no salen en escena mas que una vez, me parece.

Pronto llega Clément Mathieu, un nuevo supervisor que es un músico fracasado y que tras escuchar a los niños cantando, decide que los enseñará a hacerlo propiamente. Este profesor es el que jugará el rol del ser comprensivo y defender la idea de que hay mejores métodos de corregir a estos chicos.Y claro, con cariño y paciencia se gana el respeto --no basado en el miedo--de sus discípulos.

Obviamente, Mathieu será quien altere el status quo del director de la institución y desconcierte a otros profesores que usan el método "acción-reacción", ganándose un enemigo que considera las innovaciones de Mathieu más perjudiciales que otra cosa.

Hasta eso, el final me parece que no ha quedado tan mal porque se salvó de ser un cliché, pero bueno, por si no lo han visto no se los cuento.

Es de esas pelis que nos enseñan la influencia que un buen maestro puede tener en la vida de sus alumnos. En este caso, uno de los chicos más problemáticos, Morhange,  compone su camino, dedicándose más tarde a la música.
El famoso maestro, es a simple vista un perdedor y músico fracasado, pero gracias a él, el reformatorio en el que enseña gana el reconocimiento de importantes personalidades que desean escuchar al coro cantar y los niños parecen sanar muchas heridas gracias a la música.

Hay buenas tomas--como ya mencioné-- y fue algo refrescante el ver que el tono de la peli no era tan gris. Generalmente las películas que nos hablan de internados y eso suelen tener una paleta de colores muy triste, esta sin embargo no lo ha hecho, porque en sí, la historia tampoco es "triste". A las actuaciones tampoco les pongo pero, dentro de las limitaciones de sus personajes, todos han sabido tomar bien los roles creyéndote quienes son los buenos, los malos y los no tan malos. 

No esperen sacar mayores conclusiones filosóficas ni personajes muy complejos. Si quieren ver cómo era en realidad la vida en esos colegios, mejor miren Los niños de San Judas (esa sí esta brutal) sino, quédense con Los Coristas y su tierna e inspiradora fábula de "pon mucho empeño en lo que haces y no sólo transformarás tu vida, sino la de otros".

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Review: Con faldas y a lo loco

Título Original: Some Like it Hot
Otros títulos: Una Eva y Dos Adanes
Director: Billy Wilder
País: Estados Unidos
Año: 1959
Reparto: Marilyn Monroe, Tony Curtis y Jack Lemmon

¿Alguna vez han visto esa película llamada White Chicks, en donde dos policías negros se disfrazan de dos gemelas rubias para resolver un caso? Bueno, pues este clásico de la comedia se filmó mucho antes, pero tambien tenemos a dos policías que se disfrazan de chicas ¡para salvar sus pellejos! 

Joe y Jerry, después de que son testigos de un crimen, una banda de mafiosos los desea silenciar para siempre y en su huida, se disfrazan de chicas y terminan en un tren, pasando por músicas de banda para entretener caballeros.

Ahí conoceran a la bella Marilyn Monroe, quien es Sugar una bella cantante en busca de un esposo adinerado.

Es sin duda favorita de muchos, pues Curtis y Lemmon tienen muy buena química en pantalla y saben actuar como dos machos que por fuerza mayor deben ser chicas. Al estar rodeado de bellezas es innevitable que sus actitudes sospechosas y coquetas no partan de risa al espectador. Así como de otros personajes, quienes no advierten que esos "bombones" son dos muchachos hechos y derechos. Si bien, esas obviedades de género son lo que la hacen tan divertida.

Está filmada en blanco y negro y contamos con un buen espectáculo de parte de Marilyn, así como de graciosos enredos y más enredos, y sútiles chistes e ironías acerca de la sociedad americana de los años 30: divorcios de famosos, la seguridad de la bolsa (que en 1929 se desplomó) y homenajes a los gangsters de la década.

Excelente película de comedia, que si bien tiene escenas sexys de la época (bailarinas y chicas al por mayor) es también, para nuestros días, bastante limpia e inocente. En serio ¡tienes que verla!

Review: La Bella y la Bestia - Jean Cocteau

Título Original: La Belle et la Bête
Director: Jean Cocteau
País: Francia
Año: 1946
Reparto: Josette Day, Jean Marais, Nane Germon

Desde el inicio del filme cocteau nos advierte que nos alejemos del adulto que somos y nos transformemos en el niño que fuimos, el que creía lo que se le contaba sin cuestionar ni dudar de la veracidad del cuentista que le decía que una Rosa podía estar hechizada, y que los hombres podían ser castigados por brujas malvadas.

En seguida comienza la película y Cocetau nos envuelve en un juego de imágenes un tanto místicas, poéticas, sombrías.

A pesar de estar basado en un cuento de hadas, uno se pregunta si realmente la película se hizo para niños o para adultos pretendiendo ser niños.

La línea argumental es muy parecida a la película de Disney, sólo que aquí intervienen dos malvadas hermanas que tratan a Bella como a una Cenicienta.

El padre de Bella por azares del destino se topa con la Bestia y éste solo le perdona la vida si promete mandarle a una de sus hijas al castillo en el que vive.

Claro que es Bella quien asiste. 

Vemos su desesperación y angustia al estar cautiva, también la soledad que la va consumiendo, el constante recuerdo de su padre y la insoportable impotencia que ella siente. Pero todo esto parece desaparecer cuando la Bestia está cerca, provocándole a Bella tanto repugnancia como compasión.

Hay muchos simbolismos, difíciles de descifrar si sólo se le mira una vez, al parecer referente a Freud y su "interpretación de los sueños", hay también fotográmas bellísimos.

El castillo de la Bestia es sin duda una joya de escenografía y el vestuario no desmerece. Desde el lado artístico es excelente.

Es la historia, la que nos recuerda que de hecho los cuentos de hadas no terminan necesariamente con un feliz por siempre, que no se puede tener el bien sin hacerle mal a alguien, que los personajes son mucho más complejos de lo que parecen y que dentro de todo, hay cierto desencanto en nuestras vidas, que Cacteau señala en ese momento en que la Bestia se vuelve príncipe.

Vemos a una Bella más bien resignada, desilusionada al ver que la Bestia se vuelve un Príncipe hermoso, peor al mismo tiempo, en alguien completamente diferente a quien amaba. Y sin embargo ella, como nosotros, finge y se cree las mentiras del final feliz, del cuento de hadas.

Review: Interstella 5555

Título Original: Interstella 5555
Otros títulos: Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem (インターステラ5555 Intāsutera Fō Faibu)
Director: Leiji Matsumoto, Kazuhisa Takenôchi
País: Francia, Japón

Música: Daft Punk
Año: 2003

El primer hit de Daft Punk que escuché fue One More Time, y por entonces yo tenía 7 u 8 años, sin embargo es una canción que me ha acompañado a lo largo de mi corta vida porque es muy pegagosa y dificilmente habrá alguien que no sepa de Daft Punk. Sin embargo, hasta hace poco vi la película que inspiró su álbum Discovery.

Primero, debo admitir que no soy fan de la animación japonesa ni del anime, tampoco soy super fan de Daft Punk, aunque claro que me gustan sus canciones.

Ver la película para mi fue toda una sopresa, pues con el simple acompañamiento de la música y las imágenes nos cuenta la fabulosa historia de 4 humanoides que son raptados de su planeta natal y traídos a la Tierra, en donde alcanzan un éxito musical descomunal como la banda "Crescendolls", generando millones para su raptor, quien ha borrado casi todos sus recuerdos y los controla mentalmente.

Creo que es una genial crítica hacia la industria de la música y como, son los managers y productores quienes controlan la vida de muchas de las estrellas que admiramos, productos de otros "genios malvados" que se dedican al marketing, la publicidad, las relaciones públicas...etc. Ésta película surgió mucho antes de que el famoso fenómeno indie (el cuál busca desligarse de todas estas cosas) cobrara fuerza y en cierto sentido, fuese también un producto menos original que en sus inicios.

Daft Punk aparece en el film! ^^

No sólo por ese aspecto creo que la película es realmente buena, sino porque es toda una aventura de fantasía y ciencia ficción en donde la imaginación no se queda corta, con animaciones geniales estilo 80's, visualmente muy rica pues se nos muestras escenas del espacio exterior que te hacen sentir fuera de este mundo literalmente--verdadero arte visual-- y claro, la historia nos mostrará todo por lo que deben pasar los Crescendolls para regresar a su galaxia, manteniendote realmente intrigado en el desarrollo de la trama y pese a la falta de diálogo, sabremos lo que ocurre a su alrededor, percibiremos la personalidad de cada uno y el gran cambio que sufren al conocer un mundo diferencia al suyo y por la experiencia que viven.

Ésta es una película tanto para fans como no tan fans de Daft Punk, una de las mejores aventuras intergalácticas que he tenido la suerte de ver y me atrevo a decir, de los últimos tiempos. 

Si hicieramos un top ten de mejores películas de ciencia ficción y extraterrestres, aparecerían Star Wars, 2001: Space Odissey, The Planet of Apes, Star Trek, E.T. y claro que reservaría un lugar para Interstella 5555!

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