Las 50 peliculas que hay que ver según Susan Sontag

Habrá que verlas :)
Las 50 mejores películas de la historia del cine, según novelista y ensayista estadounidense, Susan Sontag:

1) Trilogía de Apu, de Satyajit Ray
2) Cuentos de Tokio, de Yasujiro Ozu
3) Satantango,de Bela Tarr
4) Un condenado a muerte se ha escapado, de Robert Bresson
5) Persona, de Ingmar Bergman
6) Iván el Terrible, de Serguei M. Eisenstein
7) Senso, de Luchino Visconti
8 ) La regla del juego, de Jean Renoir
9) Europa 51, de Roberto Rossellini
10) 2001, una odisea del espacio, de Stanley Kubrick
11) L’Atalante, de Jean Vigo
12) La aventura, de Michelangelo Antonioni
13) Voces espirituales, de Aleksandr Sokurov
14) El ángel exterminador, de Luis Buñuel
15) Los bajos fondos, de Akira Kurosawa
16) El arca rusa, de Aleksandr Sokurov
17) El desprecio, de Jean-Luc Godard
18) El hombre con la cámara, de Dziga Vertov
19) El maquinista de la General, de Buster Keaton
20) Monsieur Verdoux, de Charles Chaplin
21) Les enfans du paradis, de Marcel Carné
22) El intendente Sansho, de Kenji Mizoguchi
23) Avaricia, de Eric Von Stroheim
24) Jeanne Dielman, de Chantal Ackerman
25) Kontrakt, de Krzysztof Zanussi
26) Mon oncle d’Amerique, de Alain Resnais
27) El viaje de los comediantes, de Theo Angelopoulos
28) Adiós sur, adiós, de Hou Hsiao-Hsien
29) Cuando una mujer sube la escalera, de Mikio Naruse
30) Viaje a la felicidad de mamá Kusters, de R.W. Fassbinder
31) Hitler, un film de Alemania, de Hans-Jurgen Syberberg
32) Los paraguas de Cherburgo, de Jacques Demy
33) Playtime, de Jacques Tati
34) Amor de perdición, de Manoel de Oliveira
35) Francisca, de Manoel de Oliveira
36) Molière, de Arianne Mnouchkine
37) Allonsanfàn, de Paolo y Vittorio Taviani
38) La hora del lobo, de Ingmar Bergman
39) Deseando amar, de Wong Kar-Wai
40) Primer plano, de Abbas Kiarostami
41) Antes de la revolución, de Bernardo Bertolucci
42) Madame de…, de Max Ophüls
43) La balada de Narayama, de Shohei Imamura
44) La vía láctea, de Luis Buñuel
45) Los caballos de fuego, de Serguei Paradjanov
46) Voces distantes, de Terence Davies
47) La toma del poder por Luis XIV, de Roberto Rossellini
48) El acorazado Potemkin, de Serguei M. Eisenstein
49) Titicut Follies, de Frederick Wiseman
50) Crepúsculo en Tokio, de Yasujiro Ozu

Reseña: Escándalo Americano - David O. Russell

Título original: American Hustle
Director: David O. Russell
Año: 2013
País: Estados Unidos
Idioma: Español
Reparto: Christian Bale, Amy Adams,Bradley Cooper, Jeremy Renner, Jennifer Lawrence y Louis C.K.

Finalmente me decidí a ver "American Hustle", que no tuvo ni más ni menos que 10 nominaciones en los Oscars 2014, entre las que estaba como Mejor Película y Mejor Director. Bueno, no sé gano ni una sola de estas nominaciones, pero aún así decidí que debía verla.

Y lamento decir que sí, es una buena película, pero a la hora de compararla con otras, tampoco es nada nuevo. Más bien, es el uso y combinación de elementos que funcionan y lo han venido haciendo desde hace mucho tiempo.

Ponerle un filtro setentero a la cinta, una buena canción de jazz, mostrar las fiestas llenas de champagne y mentiras en la que los políticos se desenvuelven y volver a aclarar que la política es cosa sucia, en la que la mafia y el dinero robado siempre interfiere para que tal o cuál cosa se pueda hacer.

La caracterización de los personajes es muy buena, todos tienen un aire decadente y sucio que va muy bien con la historia de la película y sí, la actuación de Jennifer Lawrence es magnífica e hilarante.

La verdad es que me pareció que American Hustle era una combinación de Goodfelllas, Leaving Las Vegas, Pulp Fiction y The Candidate. No falta la femme fatale, la esposa, el político al que le tienden la trampa, el estafador y el policía que se mezcla con todos estos para atrapar a los malos, dialogos random y sin sentido, y claro, como buen filme americano que incluya estafas y mafia, Robert DeNiro.

Así que sí, es una película para ver en un rato de aburrimiento con palomitas y pasarla bien, recordar lo corrupto que es el mundo y reirnos con la magnífica actuación de Lawrence, a si, y el cambiazo de Christian Bale para encarnar a Irving Rosenfeld, un personaje que despierta lástima más que nada, je.

Por cierto, tengo que admitir que me encantó la secuencia en donde Bale y Adams tienen un beso apasionado entre un montón de fundas de plástico para ropa. Creo que esa escena fue sublime, y muy acorde con todo el tema central de la película: los engaños, la falsedad y las mentiras, y el afán por lo material (el dinero, vaya) y que mejor que el amor entre el plástico. Mis aplausos para esa linda escena de amor.

Pero bueno, una peli más que pasara a la historia del cine americano, porque es más americana que otra cosa...pero nada de mi particular gusto. Y que conste, no es mala, sólo muy normalita.

3/5

Reseña: ¡Somos lo mejor! - Lukas Moodysson

Título original: Vi är bäst!
Director: Lukas Moodysson
Año: 2012
País: Suecia
Idioma: Sueco
Reparto: Mira Barkhammar, Mira Grosin y Liv LeMoyne

La semana pasada me enteré de que en la Cineteca Nacional proyectarían la más reciente película de Lukas Moodysson, un director sueco que ya había tenido oportunidad de ver (Fucking Åmål) y, al ser un nombre conocido quise ir a ver de qué iba esta propuesta.

Moodysson sabe hacer muy bien el género de adolescentes descubriendo quienes son, o sea las 'coming-of-age'; siempre dándoles un toque de humor e ironía, dos cosas que acompañan a esa edad cuando la vez en retrospectiva. Lo que distingue a su cine es que con todo y esa ironía casi caricaturesca, sus personajes no son una caricatura. Sus personajes logran transmitir esos sentimientos de rebeldía y soledad, de desdicha tragicómica en un mundo que apenas conocen, pero que por alguna razón les hace daño, aún sin que ellos sean conscientes de por qué.

Somos lo mejor, nos presenta a tres chiquillas de 13 años que crecen en Estocolmo durante los 80's, época en donde "el punk ha muerto". Sin embargo, Bobo y Klara encuentran en el punk el espíritu rebelde que necesitan para declararle al mundo la guerra. Ellas están en contra de todo y de todos, la anarquía es su himno y la ingenuidad, su firma.

No les interesa ser bonitas ni populares, sólo desean pasar un buen rato juntas quejándose de sus padres y vagando por las calles de la ciudad. Ellas, contra el mundo, terminarán formando una banda de rock (o más bien, de punk) casi accidentalmente; y aunque no sepan tocar ningún instrumento la idea de gritar y subirse a un escenario les atrae bastante y no renunciarán a ello.

Después conocerán a Hedvig, la chica buena y cristiana que interpreta piezas clásicas en su guitarra, y tras una ñoña presentación en la escuela deciden invitarla a su banda, siendo ella la única que entiende un poco de música.

Juntas se irán transformando en otras niñas, vivirán cosas que antes no habían vivido y sabrán otras que antes ignoraban.

El primer amor, la primera borrachera, las primeras peleas y el ir dejando atrás su infancia para entrar a un mundo que a veces puede dar bastante miedo, el de crecer y volverse poco a poco en un adulto.

Lukas Moodysson explora los primeros pasos a este camino en sus casi dos horas de película las cuales apenas y se sienten, pues no faltan risas y burlas a la política echas de forma ingenua a través de los ojos de estas niñas.

Es así como un corte de pelo puedo explicar tu rebeldía contra el "injusto sistema capitalista", o la letra de una canción intentar cambiar el mundo; cosas que a los trece años son tan tangibles como verdaderos gritos de libertad.

Somos lo mejor es tal vez una de las más tiernas e hilarantes historias de amistad, de descubrir tu lugar en el mundo y quién eres. Es una mirada al pasado pero no con una nostalgia que te provoca la tristeza y el hastío de la época actual, sino que te hace sonreír de buena gana y reírte de la vida.

Las actuaciones de las jóvenes actrices son magníficas, tal vez mi favorita, la de Mira Barkhammar (Bobo), un personaje perfectamente construido y que se robado  la cinta con su timidez y la ternura que despierta.

En fin, una de las mejores películas que he podido ver por estos días.

4/5

La peli pueden verla dando click aquí

Reseña: Muerte en Venecia - Luchino Visconti

Título original: Morte a Venezia
Director: Luchino Visconti
País: Italia
Año: 1971
Idioma: Italiano, inglés, polaco.
Reparto: Dirk Bogarde, Björn Andrésen.


Mientras escribo estas líneas, debo admitir que sigo en un cierto shock emocional tras haber visto la película de Visconti, en donde el cine deja de ser el simple relato de algo que ocurre y se vuelve arte. Una excelsa pieza de arte.

Visconti lleva a la pantalla su interpretación de Muerte en Venencia, la novela de Mann que hace poco reseñe.Sin duda, su visión es diferente pero no desmerece para nada a la novela corta de Mann.
Visconti puede hacer de la película algo conmovedor, sin necesidad del sentimentalismo, guiándonos sólo con la impecable técnica de la cinematografía y el agazajo visual que es Muerte en Venencia.

Aquí, Gustav von Ashenbach es un compisitor de piano que decide viajar a Venecia escapando de un pasado o una rutina, lo cual sólo podremos interpretar por ciertos flashbacks que Visconti itercala en la narración. Nada excepcional ocurre, hasta que Gustav se topa con Tadzio, un adolescente que desde el primer momento le cuativa y provoca en él un arranque de deseo que, pese a sus intenciones de ignorar, lo rebasaron y lo harán caer en una espiral hacia lo prohibido.

Tadzio, increíblemente interpretado por la precoz belleza de Björn Andrésen, es aquí una representación del pecado, del mal, de la tentación. Podría decirse que él sabe lo que provoca en Gustav, y a partir de ahí, lo manejará a su antojo, le haré suplicar por tan solo una mirada o una sonrisa.
La complejidad de los personajes se complementa de forma maravillosa, haciendo un drama psicológico a través de acciones e imágenes, siendo poesía llevada a la pantalla.

Si bien, en la novela de Mann existe un amor, este tiene tintes más hacia lo artístico y la admiración de la belleza del joven; mientras tanto, Visconti libremente representa el deseo sexual de Gustav por Tadzio.

Es aquí interesante intentar cuestionarnos todo lo que Tadzio representa para Gustav: la belleza, claramente, una imagen casi divina; la juventud perdida y con eso, una felicidad también existan hace tiempo para Gustav. Una esperanza que sin embargo, lo sume en la más grande las angustias. ¿Una segunda oportunidad? ¿Un recuerdo de mejores tiempos?  Una pasión tardía, un amor imposible, una musa por la que vale la pena morir...

Gustav, observado a Tadzio con fascinación

Tanto la novela como la película me parecen, obras maestras; ésta última, sin duda, una de las piezas más hermosas y estrujantes que he visto en mucho tiempo. Una película poco convencional, un drama manejado de manera igual de peculiar, con la extraordinaria música de Mahler, que transmite los sentimientos del protagonista de forma exquisita, y las escenas filmadas por el lente de Visconti, que bien podrían ser dignas de ser una pintura en el Louvre.

Callar y desear es el castigo más grande que nos podemos echar encima.

Es una película que transmite la fuerza de los sentimientos prohibidos, expresando lo que alguna vez Lorca dijo: "Callar y quemarse es el castigo más grande que nos podemos echar encima."

Mucha de la fuerza de la película recae en la impecable actuación de Dirk Bogarde, quién interpreta a Ashenbach. Cada gesto, movimiento, por pequeño e imperceptible que parezca, en realidad dotan de gran sentido cada escena.
Precisamente, al lograr transmitir la marea de sentimientos que lo aflige, con el maravilloso final de la obra, uno no puede evitar soltar lágrima. Al menos mi maestra de apreciación cinematográfica y yo lo hemos hecho. ¡Simplemente perfecta! La mayor expresión de cine como arte.

Pueden ver la película aquí, aunque sólo con subtítulos en inglés. Si le entienden, les recomiendo muchísimo que la vean:

Reseña: Tacones lejanos - Pedro Almodóvar

Director: Pedro Almodóvar
País: España
Año: 1991
Idioma: Español (castellano)
Reparto: Victoria Abril, Marisa Paredes, Miguel Bosé

La polémica película de Almodóvar, también responsable de crearle fama y reconocimiento internacional, nos habla de una tormentosa relación madre-hija, así como del decadente mundo del espectáculo, los triángulos amorosos, el conflicto de identidad y una generación que ha crecido en una España libre del franquismo.

Almodóvar, con una genialidad indiscutible, logra crear una historia llena de nudos, al rededor de dos mujeres: Rebeca (Victoria Abril) y Becky (Marisa Paredes), hija y madre, separadas desde que Rebeca era muy pequeña y quienes se reencontrán cuando ésta ya es toda una mujer.

Rebeca siempre muestra una fascinación y veneración por su madre, queriendo más que nada en el mundo estar con ella, mientras que para Becky su hija llega a ocupar un segundo plano cuando debe elegir entre la vida de maternidad o su carrera como cantante. Pese a todo, en el reencuentro, Rebeca parece estar dispuesta a perdonar a su madre:

"Becky: Dime, si aún me quieres un poquito, estoy segura que me haz de odiar

Rebeca: Yo te quiero mucho, a veces también te odie, pero incluso en esos momentos no dejaba de quererte. "

"Yo te quiero mucho, a veces también te odie, pero incluso en esos momentos no dejaba de quererte"

Sin embargo, cuando Becky descubre que Rebeca está casada con su ex-amante, las cosas comienzan a ponerse turbias y los reencores vuelve a resurgir, lenta, pero eficazmente.

Por otro lado, tenemos la genial actuación de Miguel Bosé, interpretando al Juez Domínguez, quien es un personaje complicado e importante en la película, ya que al ser el juez, no sólo es un reflejo de la autoridad más flexible que quiere España, tras haber vivido tantos años en la opresión; éste también nos hablará de la retorcida psique de Rebeca, quién se enamora del alter-ego de Bosé: Letal, un travesti que imita a la madre de Rebeca, y quien ella misma le confianza: "Cuando te extrañaba, iba a verle, porque me recordaba a ti."

Es sin duda una obra maestra del drama y el relato policíaco, ya que todos los nudos de la historia giran y se resuelven al rededor de descubrir quién mató a quién, y más importante, el por qué.

Mención especial merece el fabuloso soundtrack de la película, y una canción recurrente con la que Becky muchas veces desea transmitir el arrepentimiento que siente por haberle fallado a su hija, Rebeca: Piensa en mi de Agustín Lara.

Tacones lejanos no es sólo un conflicto familiar, es tan bien una generación reclamándole a otra, intentando reconciliarse con el pasado español, todo metaforizado con ésta pelea entre madre-hija, con una figura de autoridad tan ambigua como Letal y de las esperanzas que se tienen para el futuro de una España que deseaba resurgir. He ahí la genialidad de Almodóvar y la película, dentro de lo que puede ser la época más importante de director ya que le regalo al cine joyas como ésta.

5/5
@eloisacb

Reseña: Europa, Europa - Agnieszka Holland

Título Original: Hitlerjunge Salomon
Director: Agniezska Holland
País: Polonia, Alemania
Año: 1990
Idioma: Alemán, Ruso, Polaco
Reparto: James Stewart, Kim Novak

Agniezka Holland es considerada unas de las mejores directoras del cine polaco, quién tiene una interminable lista de películas hechasen su país y algunas producidas en América. Sin duda ella ha descubierto el secreto de hacer una buena película "a la Hollywood", sin sacrificar su aire Europeo.

Justamente Europa, Europa es muestra de ello. Es un tema que ha sido representado hasta la saciedad: El nazismo. Y mientras algunos se quejen de que hay otros momentos en la historia que también fuero devastadores--y que sí los hay, y que también hay pocas películas al respecto--yo pienso que todos tienen una historia que contar, sí por cada víctima del nazismo se hiciera una película tendríamos una infinidad de visiones, y creo que es lo que el cine ha menormente logrado.

Desde niños en Francia que ven a sus compañeros partir a un campo de concentración, como en Au revoir les enfants, a una mujer que debe elegir entre sus dos hijos para que uno viva y otro muera como en Sophie's Choice, y así, cada quién con su tragedia personal. No digo que no hacen falta películas históricas de otros momentos: La revolución rusa, la Primera Guerra Mundial, las bombas en Hiroshima y Nagazaki, las guerrillas de Latinoamérica, pero tampoco puede echar por menos al cine del nazismo, que bien podría ser todo un género aparte.

Bien, antes de meterme en cuestiones más políticas de la industria del cine, creo que debo decir que Europa, Europa está basada en hechos reales y que el protagonista en verdad existió, lo cuál parece casi inverosímil pero sí, es un raro caso en la historia nazi.

Un chico judío, Solek, que debe esconderse para sobrevivir, haciéndose pasar por un alemán, estando en tropas e incluso, yendo al colegio de la Juventud Hitleriana y siendo casi un héroe de Alemania por sus servicios al frente.

Muestra básicamente las desventuras que Solek atraviesa, el enamorarse de una chica alemana y no poder tener relaciones para no evidenciar su descendencia judía, la compasión que despierta en algunos adultos aún no tan ideologizados por el nazismo.



El ritmo de la película es rápido y atrapante, dándote tensión cuando debe, drama cuando es necesario y sobre todo, entreteniéndote por unas buenas dos horas que realmente no se siente.
Es como dije antes, interesante ver todas las visiones--valga la redundancia--que hay sobre este periodo, del cuál se ha dicho tal vez mucho pero que no se agota. No es nada genial, y en el cine, esta película pasa a ser más bien anecdótica.

3/5

@eloisacb

Reseña: El largo día acaba - Terence Davis

Título Original: The long day closes
Director: Terence Davis
País: Inglaterra
Año: 1992
Idioma: Inglés
Reparto: Marjorie Yates, Leigh McCormack, Anthony Watson, Nicholas Lamont, Ayse Owens, Tina Malone, Jimmy Wilde, Robin Polley, Peter Ivatts, Joy Blakeman

Esta hermosa película llegó a mi justo hace unos días, cuando en clase de Lenguaje y Narrativa Audivisual el profesor la mostró a su grupo de indiferentes alumnos, sin embargo, dentro de ese cúmulo de indiferencia estaba yo, una amante del cine que en seguida se emocionó ante una secuencia de la película.

Sin embargo, antes había visto otra película de Davis, Childhood, en donde el protagonista es también un niño, sólo que en esta se ve un retrato tal vez más triste de la infancia, el de crecer en una estricta escuela de varones acosado por sus compañeros e incomprendido por sus profesores y para colmo, junto a una abusiva figura paterna.

The long day closes parece ser el otro lado de la moneda, el que le daba a Davis un escape o al menos, le hacía más llevadera su existencia. Digo esto porque ambas películas son altamente autobiográficas. The long day closes es menos brutal, acercándonos a la figura de su madre, devota a la religión, ama de casa diligente y amorosa con sus hijos.

Aquí conocemos la vida de Bud, el tímido chico de 11 años que parece encontrar cierto tipo de felicidad al ir al cine. También conocemos algo de su vida en el hogar, una atmósfera dulce rodeada de la camaradería de sus hermanas y hermanos.

Mientras que la cámara nos dirige por callejones lluviosos, cielo grises y casas derruidas por la miseria de la clase trabajadora inglesas, hermosas piezas de música acompañan cada toma y secuencia, contagiando de una extraña nostalgia aquél viaje al niño que alguna vez fue Terence Davis.

No sólo eso, también vemos la importancia de la religión y la escuela en la vida de un chico, ambas doctrinas de lo que debe ser, o de lo que es deseable, lo cuál le crea un conflicto puesto que 'Bud' deja atisbar deseos homesexuales, de los cuales siente vergüenza y confusión, lo que lo aparte de otros y lo deja en una soledad interior llena de dudas y culpa.

Algo que tal vez a quién no esté familiriasidado con el cine "raro", como le llama mi madre, es el hecho de que la narrativa en la historia es casi inexistente. Simplemente nos deja ver elementos en la vida de Bud que conforman su paso de niño a adulto, las ideologías con las que se ve rodeado y los dogmas que lo envuelven, tal vez mejor representados en el pasaje en donde desde arriba la cámara nos muestra el cine, la iglesia y la escuela vistas desde arriba.

The long day closes es una sencilla poesía hecha cine, acerca de las ideas del hombre y su evolución o deterioro, como explica el maestro en la escena de "los tipos de erosión". El tiempo va desgastando las cosas, cambiándolas, con suerte para algo mejor.

5/5

@eloisacb

Reseña: Vértigo - Alfred Hitchcock

Título Original:
Director: Alfred Hitchcock
País: Estados Unidos
Año: 1958
Idioma: Inglés
Reparto: James Stewart, Kim Novak

¡Hola, lectores y cinéfilos! Como ven he estado un poco ausente del blog, esto es debido a que ahora estoy estudiando Ciencias de la Comunicación (mi amor por el cine) y en sistema abierto Literatura Inglesa (mi amor por los libros) y llevar dos carreras requiere algo de tiempo. Sin embargo, siento que mi mente se está nutriendo de cosas que amo, y poco a poco las iré plasmando de nuevo en el blog. Sin más, hoy les platico de Vértigo, una de las más famosas obras de Hitchcock, y la cual analizamos hace poco en clases.

La historia nos presenta a  Scottie, un policía que sufre una situación traumática al ver caer a un compañero de un precipicio, dándole origen a su fobia a las alturas y haciéndolo que se retire de la justicia.

Sin embargo, un viejo amigo lo contratara para que siga a su esposa July, quien tiene un comportamiento extraño, pues dice estar siendo poseida por el espíritu de su bisabuela Carlota, quien se suicidó a los 26 años, tirándose de las alturas.

Scottie comenzará la persecución, la cuál, lejos de ser sólo un trabajo más, lo llevará a una espiral de locura, pasión y tentación, llevándolo a extremos inimaginables, mostrando a lo que puede llegar la naturaleza humana y lo fácil que es trastocarla.

Pese a la historia superficial, en dónde se puede ver un relato de fantasmas que evoluciona en una persecución policíaca que mezcla temas recurrentes de romance y suspense, vértigo es mucho más que eso. En ella se pone de manifiesto la capacidad de Hitchcock para relatar situaciones mucho más profundas que en su época eran de lo único de lo que se hablaba: el fin de la Segunda Guerra Mundial, La Guerra Fría y la carga que América llevaba sobre sus hombros al estar lidereando al bloque capitalista.

Es también innovadora en el manejo de cámaras para producir el efecto del vértigo en Scottie, un personaje de más complejo, al que se debe prestar atención para descifrar sus secretos. Desde la sutil mención de que utiliza corset para recuperarse del accidente, hasta sus arrebatos amorosos, casi adolescentes.

Dos objetos recurrentes aquí son las alturas y las espirales, lo cual carga al delirante filme de misterio y significación.

Es una película de los 1958, y que pese a todo sigue vigente hasta nuestros días por la gran cantidad de lecturas que permite, lo que nos recuerda que las películas no sólo son entretenimiento, sino una manera de comunicar ideas, momentos de la historia, conflictos humanos y que sobre todo, nos hacen pensar.

En algún momento les dejaré un análisis de esta pelicula, por ahora, sólo les recomiendo que la vean, pues es una obra maestra del gran Hitchcock, y que todo amante del cine debe ver si se considera un "cinéfilo."

4/5

@eloisacb

Las 10 mejores películas que vi en el 2013

Lo genial de estas fechas son las listas de lo mejor del año. Al menos lo encuentro bastante entretenido.
En esta lista no me refiero a las mejores películas que se estrenaron este año, si no a aquellas que fui viendo y que causaron un gran impacto en mi, un "asdfghjkl", para que comprendais ¿Sólo 10? Bueno, me encantaría hacer más grande esta lista pero es que tampoco vi taaaantas películas, es decir, entre la escuela, la graduación, el cambio, el intento fallido de salir con alguien que al final me decepcionó y mi obsesión con The Strypes y Tumblr, no pude ver demasiadas cintas, no tantas como parecen.
En fin, fue difícil seleccionarlas pero al final tuve que tomar la decisión y aquí les dejo mi Top Ten de todo lo que vi en el 2013:

10. Strella - Panos H. Koutras (Grecia, 2009)De esta película no he escrito reseña, aunque debería. La fui a ver con casi toda mi generación de la prepa a una sala de cine de arte por una clase. Verla con un grupo de chicos de entre 17 y 18 años no es la mejor introducción a ella debio al tema que trata: la transexualidad, el incesto, el abandonos, las almas rotas y montón de cosas en las que no deseas pensar un viernes en la tarde con quienes te ríes de estupideces todo el tiempo.
Salimos con cara de traumatizados, riéndonos nerviosamente por las escenas vistas y después pasando página. Pero es una película excelente, con actuaciones geniales y un argumento y desarrollo de la historia que pese a la complejidad es ejecutado con maestría por parte del director. Definitivamente la película se lleva un 5/5 y es más...la compré en DVD! jojo.

9. En kärlekshistoria -Roy Andersson (Suecia, 1970)
También conocida como A Swedish Love Story, es llevar el amor adolescente al cine de arte. Una película en donde cuentan más las acciones que las palabras, en donde se retrata la inexperiencia y la emoción, las promesas y la inocencia, el descubrir de que nos complementamos con otro y también, un reflejo de lo caricaturesco que llega a ser el adolescente y su época: Andersson muestra chicos que fuera del lente adulto andan en motocicleta, con chamarras de cuero, fumando cigarillos, acompañados besos y alcohol pero que junto a sus padres deben ir como "los niños que son". Me encanto lo artísitca y aparentemente banal que llega a ser esta cinta, y además, gracias a esta es que comencé a tomar lecciones de sueco! Jag can talar svenska nu.

8. La tumba de las luciérnagas - Isao Takahata (Japón, 1988)
Ésta la vida en la clase de apreciación cinematográfica en el ciclo de cine bélico. Preciosa y conmovedora hasta la médula, nos recuerda que el cine animado e "infantil" no deja de ser impactante y algunas de sus piezas se ganan a pulso el nombre de "séptimo arte". Hermoso relato sobre la infancia arrebatada y la parte de la guerra que a veces olvidamos: no son sólo fechas, ni políticos, ni lugares. Es también la gente, las familias, los recuerdos, el amor que prevalece por los otros hasta el último instante, incluso entre tanto odio. Demasiado bella.

7. Tom Sawyer (Alemania, 2011)
Ok, miles de veces he dicho que entre mis libros favoritos está lo que Twain escribió sobre la infancia sureña, esta adaptación que vi a inicias del año, si bien no es fiel del todo al libro; supongo que porque el lenguaje cinematográfico (y acercar un clásico a los niños) requiere cierta acción que se logra de diferente modo con la pluma. En fin, me encantó todo, desde el carisma del pequeño actor que encarna a Sawyer, hasta el manejo del personaje de Huckleberry y la amistad que se muestra entre ambos personajes para darle mayor fuerza a la historia. No dejan fuera importantes aventuras que se viven en el libro, ni las travesuras, ni ese sur idílico que Twain plasmó en la novela. Una adaptación que se toma demasiadas libertades pero que funciona, y que yo (una fan de hueso colorado de Sawyer y Finn) amé.

6. Les 400 coups - Francois Trouffat (Francia, 1959)
El clásico de clásicos de las coming-of-age, considerada por muchos la fundadora de la nouvelle-vague, el nacimiento de dos grandes: Trouffat como director y Jean Pierre Leaud como actor, a la edad de catorce años, regalandonos la visión de una dura infancia en Paris. Es hermosa y abrumadora de formas que aún no comprendo, pero si amas el cine esta película la debes ver.

5. Interstella 5555 (Francia, Japón 2003)
Increiblemente, Daft una banda que escucho desde que tengo como 10 años, cuando aún usaba discman y que me gusta mucho desde siempre (no sólo por el actual éxito comercial de Random Access Memories*HIPSTERRRRR*) y fue justo este año que mire por completo la película de Interstella. Había visto los videoclips de One More Time, Digitial Love y eso, hasta que me pregunté que rayos venía siendo aquello y porque salían esos monigotes azules. Bueno, fue una mezcla de una de mis bandas favoritas y el contar con música (y sin diálogos) una aventura espacial y cierta crítica a la industrial musical. El mérito: la creatividad. Genial película.

4. Dans la Maison - Francois Ozon (Francia, 2012)
La vi gracias al Tour de Cine Francés y no sé porque no me animé desde antes a mirarla, pero en fin, lo hice y no me arrepiento. Me encantó la manera en que la línea argumental juega con el espectador y claro de Claude García! Las referencias a la literatura, el olor a mujer de clase media...este año esta película conquistó mi corazón.

3. Sciuscia (El limpiabotas) - Vittorio de Sica (Italia, 1946)
Tragedias italianas en su mejor expresión. Una excelente muestra del neorrealismo italiano y mi película favorita de este género hasta el momento. De Sica conquistó mi corazón con esta historia, pero mucho más la desgarradora actuación de  Franco Interlenghi, que con 15 años muestra el dolor de la desafortunada vida de las clases bajas. Con este film se inauguró algo así como el Oscar a Mejor Película Extranjera, pues hasta entonces sólo se le daba a filmes nacionales. Amistad puesta a la dura prueba de la vida.

2. Billy Elliot - Stephen Daldry (Gran Bretaña, 2000)
"¿En serio? ¿Billy Elliot? ¡Pero es una película demasiado comercial!" Sí bueno, lo es, pero también es una bella forma de decir que debes hacer lo que amas en la vida, lo cual tendrá un costo, y probablemente mucha gente te diga que es una locura, o que no lo lograrás, que es estúpido y demás, pero si en serio es tu pasión, te hará muy feliz.
Es además una de las películas más tiernas que he visto. Nada de lágrimas, ni muerte, ni destrucción --como generalmente ocurre en las películas que amo--si no ese despertar a la adultez. Pasar de ser un niño a un adolescente, dejar detrás esa ingenua visión para darte cuenta que el mundo real es difícil y doloroso, que hay perdidas, que hay amigos que se van y otros que siempre se quedarán, que la vida es injusta, apesta, tiene momentos horribles pero también tiene instantes maravillosos.

1. Au revoir, les enfants - Louis Malle (Francia, 1987)
La ganadora indiscutible y película que robó mi corazón, la cual vi sin querer pero en un momento de la vida en que la moda "a la garcon" y "boyish" invadía mi cerebro, en que Oliver Twist me acababa de dejar sin aliento y en que deseaba con todas mis fuerzas una buena película de amistad. de algún ambiente gris y frío, pero no sabía como buscar o qué buscaba específicamente...bueno, nada de esto tendrá sentido para ustedes y perdón, pero es que como dije, sin querer encontré esta maravillosa película.
Esque agh, me hace sentir tanto que realmente puedo decir poco.
Sí, mi favorita del año y creo, mi película favorita forever and ever! jajaja me gustó, me encantó, me dejó traumatizada...sólo véanla...es la mejor película de la vida.
Me costó muchísimo encontrarla, pero por fin la tengo en DVD <3

Fue un genial año de películas vistas...tal vez de estas olvide algunas con el tiempo, o no. Sólo el paso de éste lo dira. Mientras tanto, creo que es una lista bastante decente de muy buenos filmes que pueden ver, disfrutar, llorar, etc...<3