Review: Con faldas y a lo loco

Título Original: Some Like it Hot
Otros títulos: Una Eva y Dos Adanes
Director: Billy Wilder
País: Estados Unidos
Año: 1959
Reparto: Marilyn Monroe, Tony Curtis y Jack Lemmon

¿Alguna vez han visto esa película llamada White Chicks, en donde dos policías negros se disfrazan de dos gemelas rubias para resolver un caso? Bueno, pues este clásico de la comedia se filmó mucho antes, pero tambien tenemos a dos policías que se disfrazan de chicas ¡para salvar sus pellejos! 

Joe y Jerry, después de que son testigos de un crimen, una banda de mafiosos los desea silenciar para siempre y en su huida, se disfrazan de chicas y terminan en un tren, pasando por músicas de banda para entretener caballeros.

Ahí conoceran a la bella Marilyn Monroe, quien es Sugar una bella cantante en busca de un esposo adinerado.

Es sin duda favorita de muchos, pues Curtis y Lemmon tienen muy buena química en pantalla y saben actuar como dos machos que por fuerza mayor deben ser chicas. Al estar rodeado de bellezas es innevitable que sus actitudes sospechosas y coquetas no partan de risa al espectador. Así como de otros personajes, quienes no advierten que esos "bombones" son dos muchachos hechos y derechos. Si bien, esas obviedades de género son lo que la hacen tan divertida.

Está filmada en blanco y negro y contamos con un buen espectáculo de parte de Marilyn, así como de graciosos enredos y más enredos, y sútiles chistes e ironías acerca de la sociedad americana de los años 30: divorcios de famosos, la seguridad de la bolsa (que en 1929 se desplomó) y homenajes a los gangsters de la década.

Excelente película de comedia, que si bien tiene escenas sexys de la época (bailarinas y chicas al por mayor) es también, para nuestros días, bastante limpia e inocente. En serio ¡tienes que verla!

Review: La Bella y la Bestia - Jean Cocteau

Título Original: La Belle et la Bête
Director: Jean Cocteau
País: Francia
Año: 1946
Reparto: Josette Day, Jean Marais, Nane Germon

Desde el inicio del filme cocteau nos advierte que nos alejemos del adulto que somos y nos transformemos en el niño que fuimos, el que creía lo que se le contaba sin cuestionar ni dudar de la veracidad del cuentista que le decía que una Rosa podía estar hechizada, y que los hombres podían ser castigados por brujas malvadas.

En seguida comienza la película y Cocetau nos envuelve en un juego de imágenes un tanto místicas, poéticas, sombrías.

A pesar de estar basado en un cuento de hadas, uno se pregunta si realmente la película se hizo para niños o para adultos pretendiendo ser niños.

La línea argumental es muy parecida a la película de Disney, sólo que aquí intervienen dos malvadas hermanas que tratan a Bella como a una Cenicienta.

El padre de Bella por azares del destino se topa con la Bestia y éste solo le perdona la vida si promete mandarle a una de sus hijas al castillo en el que vive.

Claro que es Bella quien asiste. 

Vemos su desesperación y angustia al estar cautiva, también la soledad que la va consumiendo, el constante recuerdo de su padre y la insoportable impotencia que ella siente. Pero todo esto parece desaparecer cuando la Bestia está cerca, provocándole a Bella tanto repugnancia como compasión.

Hay muchos simbolismos, difíciles de descifrar si sólo se le mira una vez, al parecer referente a Freud y su "interpretación de los sueños", hay también fotográmas bellísimos.

El castillo de la Bestia es sin duda una joya de escenografía y el vestuario no desmerece. Desde el lado artístico es excelente.

Es la historia, la que nos recuerda que de hecho los cuentos de hadas no terminan necesariamente con un feliz por siempre, que no se puede tener el bien sin hacerle mal a alguien, que los personajes son mucho más complejos de lo que parecen y que dentro de todo, hay cierto desencanto en nuestras vidas, que Cacteau señala en ese momento en que la Bestia se vuelve príncipe.

Vemos a una Bella más bien resignada, desilusionada al ver que la Bestia se vuelve un Príncipe hermoso, peor al mismo tiempo, en alguien completamente diferente a quien amaba. Y sin embargo ella, como nosotros, finge y se cree las mentiras del final feliz, del cuento de hadas.

Reviews Express: Lo mejor de Disney

Siguiendo con el ciclo de cine que hace un tiempo me propuse reseñar de "50 películas que ver a los 14 años", hoy les traigo las mejores películas que ha realizado Disney y que merecen un espacio en el canon cinematográfico que los adolescentes deberían conocer.
Según la lista del British Film Institute, las películas de Disney que son consideradas como lo mejor que han producido son las siguientes:

Blanca Nieves y los siete enanos (1937).
Sin duda una joya del cine que marca un antes y un después en la industria, no sólo porque dio inicio a lo que serían las películas animadas y dirigidas al público infantil, abriendo así un nuevo mercado, si no por que dicha película hoy en día es muy comentada por las ideologías que representan desde varios puntos de vista:
Desde la narrativa de cuentos de hadas y los personajes tipo que presenta, hasta el rol de las mujeres en aquellos años y la manera en que la película influye a muchas generaciones de niñas.
Muy aparte de esto es una historia fantástica, un clásico del cine de las princesas y que independientemente de la edad que se tenga, si se mira con ojos inocentes, se disfruta mucho, suponiendo que un príncipe azul llegará a rescatarnos. 5/5


La Bella y la Bestia (1991)

Otra historia de princesas que a mi parecer, es de las más bellas. En esta vemos a un tipo de chica diferente: es más intelectual y su mente no se centra en conseguir un marido, lo que supone un cambio para el canon de princesas que hasta entonces había manejado Disney. Sin embargo, la protagonista "Bella", termina enamorándose de una Bestia, que no es sino un príncipe que luce como es interiormente, debido al hechizo de una bruja. Una película que nos hace pensar en el hecho de que una cara bella es arruinada por una actitud grosera, pero también nos pone a pensar en qué, un hombre puede ser feo y aún así enamorar a una mujer pero ¿funcionaría al revés?
Al final, es mejor dejarles a los niños con la simple interpretación de: "lo que importa es lo de adentro" y cinematográficamente hablando, difícil ponerle peros. 5/5


Toy Story (1995) 
Con esta película Disney volvió a dejar claro quien era el pionero e innovador en cuanto a animación: Toy Story fue la primera película animada completamente en computadora. Nos cuenta la historia de unos juguetes que cobran vida cuando nadie los ve. Woody es el muñeco favorito de Andy, pero su status quo se ve amenzada con la llegada de un juguete nuevo: Buzz Lightyear, quien a diferencia de Woody (un vaquero de trapo y algo rudimentario), funciona con baterías y tiene atractivas funciones que cautivan al niño.
La película nos refleja muy bien el miedo de las personas (en este caso juguetes) a ser reemplazados y que los sentimientos de quienes más queremos cambien, de los celos y la competencia por "ser queridos". Es tambien una bella historia sobre como la amistad  puede surgir en momentos difíciles y sobretodo, cómo personas totalmente diferentes a ti pueden terminar siendo también, tus mejores amigos.
Esta saga se volvió todo un clásico que marcó a una generación que la miró por vez primera cuando jugaba y esperaba que los muñecos cobrasen vida, y la fue a ver al cine por última vez cuando, desencantado de ese mundo,  volvió a creer que los muñecos se ponen tristes si dejas de jugar con ellos y que crecer, es inevitable. 5/5

Buscando a Nemo (2003)
Esta película nos relata la aventura que Marlín, un pez payaso, emprende para salvar a su hijo Nemo, tras ser capturado por unos buzos como mascota.
Con unos gráficos que nos sumergen en el fondo marino, de una calidad que siendo niña me encantaron y aún hoy, me parecen geniales esta película es más que la historia y el reflejo de lo fuerte que es el amor paternal: Es una historia de valentía, pues un ser aparentemente insignificante y débil como un pececito hace hasta lo imposible por rescatar a su hijo, pero más aún, me encanta el mensaje--tal vez menos explícito--del poco respeto que por desgracia el hombre tiene hacia otros seres, por considerarse superior a ellos: en este caso nos lo iilustran con la separación de un padre y un hijo, pues que mejor símil para hace reaccionar a las personas de la gravedad de invadir ecosistemas y alteraelos sólo porque nosotros deseamos tener una pecera bonita adornando nuestra oficina o consultorio, sin tomar en cuanta el daño que hacemos a la tierra--en este caso al mar--.
Con personajes simpáticos y divertidos, momentos graciosos y sentimentales, es una excelente película familiar y que seguro verás más de una vez.  5/5

Review: Oliver Twist (Película 1948)

Título Original: Oliver Twist
Director: David Lean
País: Inglaterra
Año: 1948
Reparto: John Howard Davies, Anthony Newley, Robert Newton, Alec Guinness, Kay Walsh, Francis L. Sullivan

Basada en la novela de Charles Dickens

Oliver Twist (John Howard Davies) es un niño huérfano que es llevado a un orfanato. Debido al mal tratamiento que se le da, un día decide escaparse a Londres. Nada más llegar a la ciudad conoce a Artful Dodger (Anthony Newley) quien le da acogida. Con la inocencia de un niño de 10 años, sin darse cuenta se adentra en una banda de chicos carteristas dirigida por el malvado Fagin (Alec Guinness).

Antes de ser escritor Charles Dickens quería ser actor. Pese a fracasar en este aspecto, fue un asiduo fan de las obras de teatro y no se perdía ninguna. Tal vez este gusto por el desarrollo de las historias en vivo fue lo que hizo tan adaptables a la pantalla y el escenario sus libros. Bien un día la UNAM publicó un artículo por su bicentenario diciendo que "Dickens no es muy cinematográfico, más bien el cine es muy dickensiano."

Sin embargo, pasar una obra con un plot tan intrincado como el de Oliver Twist a un tiempo limitiado de 2 hrs sigue siendo un reto. Como fan de este título admito que me he visto ya varias versiones: La de Roman Polanski, la de Carol Reed, la versión de la BBC de hace unos años y ésta. Todas tienen su encanto, todas el estilo y tono del director y si no se les compara con el libro me parecen excelente, más si se hace acabaremos diciendo que faltó esto, que sobró aquello, que así no era...Sin embargo, de todas ellas, la que puede salir aún bien parada es justamente ésta.

Me parece que es la más fiel al libro de Dickens, la que incluye más personajes y creo que fue la que Roman Polanski tomó de guía para realizar su versión en el 2005. Aún así, esta la supera por el excelente cast que la conforma. Mientras que en la versión de Reed es Jack Wild--quien le hace de Artful Dodger--quien roba la película haciendo dueto con Ron Moody--un más caricaturesco Fagin-- en ésta Oliver tiene el protagonismo y vemos su desesperado viaje por huir del escabroso mundo de criminales y prostitutas en el que se encuentra sumergido. Davies fue sin duda un chico excelente para mostrarnos a éste huérfano y es el que más se le acerca al retrato de Dickens con su actuación, quien realmente transmite el miedo e inseguridad que envuelve al desprotegido personaje. Me parece que ha sido la mejor interpretación del personaje hasta ahora. De igual forma, podemos ver a una Nancy desesperada y decepcionada de sí misma, igual más realista que la de Reed y con una actuación que supera a la de Polanski.

También se incluyen personajes como Monks y Charley Bates en dosis suficientes para no extrañarlos--personajes que suelen eliminarse en las adaptaciones--y explican bien ese "Twist" o giro en la historia que le dio tanto reconocimiento a Dickens en su época y que perdura hasta nuestros días y que muchos directores ignoran, por lo mismo del reducido tiempo en pantalla.

Como siempre, el retrato de la época victoriana es un acierto que, al estar filmado en blanco y negro, nos hace sentir aún más ese ambiente lleno de tristeza y miseria en el que la historia transcurre haciendo contrasta con la casa de Mr. Brownlow (Henry Stephenson).

Pese a que esta obra es un festín de personajes en donde a veces se relega a uno u otro, Lean sabe darle la justa proporción a todos con suficientes escenas en donde aparece Oliver y la historia gira a su al rededor, como de los secuaces que conspiran en su contra y de sus protectores, quienes tendrán que enfrentar los mil y un problemas que hacen a la historia digna de mirarse repetidas veces.

Excelente adaptación que todos los fans de Dickens o de las buenas historias no deben dudar en mirar!

Review: Matar a un ruiseñor (película)

Título original: To kill a mockingbird
Año: 1963
País: Estados UnidosDirector: Robert Mulligan
Actores: Gregory Pec, Mary Badham, Phillip Alford, John Megna

Ok, me encanta el libro de Harper Lee, es una historia hermosa, pese a todo, en este review no compararé el film con el libro porque obviamente jamás llegan a ser iguales, así que si no lo han leído no se preocupen :)

En el apacible pueblo de Maycomb, Alabama; Scout Finch nos cuenta algo ocurrido durante su infancia, en los años 30, cuando su padre Atticus, debe llevar a la corte la defensa de un negro que es acusado por violar a una mujer blanca.

Me parece que la película le hace justicia a la historia, transportándonos al sur de los Estados Unidos en los años 30, cuando el racismo predomina fuertemente esa parte del país, pero al mismo tiempo, metiéndonos al mundo de los niños, quiénes logran avisar y entender lo que ocurre a su al rededor aunque sin ser totalmente conscientes de ello, sino por mera intuición, perdiéndose en un mundo más fantástico lleno de juegos, fantasmas y espantos, hechizos, supersticiones, casas embrujadas y vecinos extraños.

Las actuaciones debo decir me han encantado. No por nada Gregory Peck se llevó el Oscar a Mejor Actor y Mary Badham estuvo nominada a Mejor Actriz de Reparto, pues el primero es ese padre amable, comprensivo e intacable que Scout y Jem adoran. La segunda es esa niña a veces confundida que aparenta valentía, aún en los momentos que puede sentirse más indefensa y con esa personlidad pícara que ha cautivado a tantos. Pero no sólo ellos, sino todos los personajes del pueblo de Maycomb logran crear las personalidades estereotipadas (pero muy ciertas, jo) que le dan vida a esta historias.

 La fotografía en blanco y negro es genial, los vestuarios de los niños, de "Scout" que prefería los pantalones a los vestidos y de el pequeño Dill Harris me fascinaron y claro, el hermano mayor de Scout, Jem también logró muy bien la personalidad protectora aunque algo testaruda con que se retrata en la novela.

Scout y Atticus

Hay momentos geniales, como Atticus custodiando al negro acusado, la feria del pueblo, los días en la escuela y las idas y venidas de Dill y en cada una de esas secuencias nos asomaos a los valores, las ideologías y la moral de un pequeño pueblo sureño. Pero la película tiene un ritmo muy ágil.
La parte del juicio, que es la parte más fuerte de la película se enfoca más a enfrentar justamente las ideas racistas de la época contra las de igualdad entre diferentes razas y es en donde Peck se luce más, a pesar de todo es la parte que me gustó menos, je...

Y claro, hay un excelente tema musical de introducción compuesta por Elmer Bernstein, quien también se llevó un Oscar. 
Pero muy aparte de los galardones me parece una película tierna y divertida, un retrato de la vida sureña, una buena adaptación que es muy fácil disfrutar.

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Review: Cuando el viento silba

Título Original: Whistle down the wind
Director: Bryan Forbes
País: Inglaterra
Año: 1961
Reparto: Hayle Mills, Bernard Lee, Alan Bates

En una pequeña villa de Inglaterra un criminal se esconde en el granero de una familia, una niña, al ir a ver unas gatos que habían rescatado con sus hermanos, lo encuentra y al preguntarle su nombre el villano sólo logra responder "Jesucristo" en tono de sorpresa. Sin embargo, la niña creerá que es El Mecías el que se encuentra escondido en su granero, lo que da pie a una historia interesante.

Bueno, esta película la vi hace poco y debo ser sincera, pese a ser apreciado por muchos cinéfilos y tener sus momentos --porque los tiene-- en general es una historia que creo pude no haber visto y seguir muy bien con mi vida....sorry, pero prometí sinceridad ante todo.

Esta película sin embargo, ha influido en otros filmes, uno de ellos es la celebrada "El espíritu de la colmena", en sí la temática que aborda, que es esa incapacidad de los niños de distinguir la realidad de la ficción. Además, la película nos muestra unos bonitos paisajes de la Inglaterra rural con unos encuadres maravillosos y unas actuaciones muy buenas, pensando que han sido niños los que trabajan en la peli, pero en ningún momento se ven forzadas o poco naturales.

Hoy en día tal vez podría parecernos un poco tonto, pero teniendo en cuenta que se filmó en los 60's y que en los pueblos pequeños las ideas tardan más en cambiar y que la religión tiene un peso importante, es interesante ver cómo un grupo de niños cree estar hablando con el Hijo de Dios.
Esta ilusión por parte de los niños, es lo que afecta a nuestro villano, que en contraste con la pureza de los niños y dándose cuéeta de lo que él representa para ellos, va teniendo un cambio en su interior, y digamos "una iluminación espiritual" que le da fuerza/valor para enfrentar a sus demonios.

También muestra esa falta de preparación por parte de la Iglesia por contestar las dudas e inconsistencias que a veces se presentan en la religión, acerca de la muerte, la historia de Jesús, la crucifixión y el esperado regreso. También es un bello retrato del amor que puede surgir de idolatrar a una figura, sin importar que no se le conozco bien, pues justamente podemos mirar como la chica de 15 años comienza a tener una especie de fascinación romántica por el supuesto "Jesucristo" lo cuál sí me gusto pues muy pocas veces se tratan temas de crecimiento emocional de las mujeres, aunque no profundizan mucho porque no es fuerte del filme.

 La película no es mala y tiene aspectos interesantes para discutirse, pero simplemente no es lo mío y ya saben que los RATES son personales y por eso muy subjetivos, y es que el cine y cualquier arte es eso: subjetivdad disfrazada con algunos argumentos en pro y contra de las obras.

Si te ha dado curiosidad puedes verla aquí

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Review: El espíritu de la colmena

Título Original: El espíritu de la colmena
Director: Victor Erice
País: España
Año: 1973
Reparto: Ana Torrent, Isabel Tellería, Fernando Fernán Gómez, Teresa Gimpera
No voy a mentirles...este review me lo he tenido que pensar mucho e ir viendo cómo iba a sacar palabras para hacerlo, porque vaya, es un peliculón. En serio. Es de esas pelis que me parece tienes que mirar más de una vez para entender lo bueno que es, creo, porque la verdad es que sólo la he mirado 1 VEZ y me quedé pasmada. Sí. Simplemente creo que no caché la grandeza del filme porque al parecer es muuuuy grande.

Bueno, esta peli está en la lista de las 50 que ver a los 14 años, pero me pregunto ¿en serio? ¿a los 14? Yo tengo dieciocho y les digo que se me hizo muy rara. Me he puesto a leer algo sobre ella --porque sí que es comentada y por suerte, explicada para nosotros los simples mortales--y más o menos creo que voy haciendo la conexión entre las imágenes que vi en pantalla y todo lo que Erice intentó transmitir en su film.

Primero, Erice es considero por muchos como el mejor cineasta de su generación y El Espíritu de la colmena la película más bella del cine español. Pero de qué trata la peli....bueno, más o menos:

1. Retrata a la españa rural durante los años 30, una vez que termina la Guerra Civil.
2. Esto da pie a las diferentes formas que la sociedad española tiene de ver el mundo y como, los niños se ven influidos por lo que escuchan y ven a su al rededor.
3. De nuevo, está ese contraste entre la moral de los niños y la moral adulta.
4. La inocencia de la infancia y la incapacidad de distinguir entre la realidad y la ficción.

El director logra meter estos temas con un sin fin de matices, sugerencias y simbolismos, y nos cuenta la historia a través de los ojos de las hermanas Ana (Anna Torrent) e Isabel (Isabel Tellería), siendo Ana la protagonista y quien se ve más afecta por los hechos que sacudirán su vida.
Desde el inicio, con una proyección del film "Frankenstein" en una casona que después servirá de refugio para un fugitivo probablemente guerrillero (lo cual, no es una coincidencia, pues "El monstruo" de Frankenstein representa todo lo que está mal con la sociedad, lo que no encaja y el fugitivo, claro que tiene ideas revolucionaras en contra del gobierno español), hasta las escenas en donde se ven a los adultos fumando, quemando cartas sospechosas, leyendo libros sobre la naturaleza de las abejas, imágenes de santos, etc. Vaya, podría escribir un discursazo sobre esta peli sin acabar.

Por lo mismo, me parece que no es para nada "fácil" de ver, si no que hay que prestar atención y claro, ponerse a pensar, lo cual me parece excelente...pero de nuevo ¿a los 14? Sin duda estaría genial si hubiese alguien que le explicara a los chiquillos todas estas cosas que yo me puse a buscar por mi cuenta, pero que a esa edad hubiera pasado de largo. No sé, definitivamente deberé mirarla nuevamente para cacharle más cosas porque no más termine de verla y me quedé así de ¿QUÉ? ¿EN SERIO? ¿ESTE ES EL FILM ESPAÑOL MÁS BELLO? 

"The Spirit of the Beehive is a film that is set—“Once upon a time… somewhere on the Castilla plain in about 1940”—in the aftermath of the Spanish Civil War. (5) It is less a film about the broad historical reality of this period and its events (it was made in the final, more open years of Franco’s rule) than its experiential, material impact on isolated individuals and communities. Its characters rarely converse, are introverted, isolated, and find occupation in various forms of what could be called metaphorical abstraction—the father’s metaphysical obsession with bees, the mother’s unexplained letters to a ‘lover,’ the young girl’s appropriation of the image and tale of Frankenstein’s monster to test her own dawning sense of identity, difference and mortality. This interiority, and the pain it expresses, as well as the secrets it never quite reveals and indistinct reverberations it creates, can also be seen as the political point of the film." - Senses of Cinema.

Por eso les digo, que muy atentos a verla, no se vayan a ir como yo, con un mal sabor de boca por no haber entendido ni fú ni fá. Pero ya entrada en materia, me parece rescatable por los temas que trata y la manera de abordarlos. Pese a todo, no termina de convencerme.

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Review: El globo rojo

Título Original: Le ballon rouge
Director: Albert Lamorisse
País: Francia
Año: 1956
Reparto: Pascal Lamorisse, Sabine Lamorisse, Michel Pezin, Georges Sellier, Wladimir Popof

Este cortometraje (pues dura apenas 32 minutos) casi carente de diálogo del director Albert Lamorisse , nos cuenta la historia de Pascal, un chico que encuentra un globo rojo de camino a la escuela, de quien se hace amigo.

Es claro, un film que desborda imaginación y muestra más que nada, el mundo ante los ojos de los niños, en particular de Pacal. El globo sigue al niño a todas partes, sin embargo, en ocasiones parece escaparse y jugarle bromas, como si este objeto tuviese vida propia. Va con el camino a la escuela, a su casa y lo persigue por todos lados.

Si la película destaca por algo, aparte del creativo argumento, es por el recorrido que nos da por las calles de Paris a mitad de los 50's. Muchos de los barrios que en esta película se muestran hoy en día ya no existen. Es un deleite para la pupila, y qué mejor que conocer la hermosa ciudad de Paris de hace más de medio siglo.

Otra cosa con la que película juega mucho es con ese contraste de colores: el rojo intenso de ese globo con las calles grises y frías de los barrios bajos de Paris. En sí, la película visualmente hablando se merece un diez.

La película ganó Oscar a Mejor guión original, muy merecido, pues es una historia muy interesante de ver.

El final, está también lleno de magia --vaya, no sé si llamar a este film "realista-magico"--pues tras un suceso inesperado, miles de globos llegan en busca del niño y lo llevan volando encima de los techos parisinos.

A pesar de todas estas cosas a favor, digo, debo reconocer que es una película muy bonita y una pieza de arte en sí, NO ES UNA HISTORIA a la que estemos acostumbrados ni mucho menos, es más bien un relato que invita a nuestra imaginación a recordar el mundo de fantasía en el que vivimos cuando eramos niños.

Es una secuancia de imágenes muy bonita, un guión muy creativo, pero no le busquen más.

Aunque claro, no han faltado expertos en sociología, psicología, etc...que han intentando descifrar simbolismo del globo, el niño y sus aventuras, trasladándolo a contextos socio-económicos o del ser. Pero yo me quedo con que es una chulada de recorrido por la ciudad más romántica del mundo.

Puedes mirar la peli aquí
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Review: El Chico - Charles Chaplin

Título Original: The Kid
Director: Charles Chaplin
País: Estados Unidos
Año: 1921
Reparto: Charles Chaplin, Jackie Coogan, Edna Purviance, Lita Grey

Debo admitir que sólo he visto unas cuántas pelis de Chaplin: Tiempos modernos, una de la que no recuerdo el nombre y El Chico, y de todas, esta último me parece la mejor!

Es una película hermosa en muchos sentidos:
La historia es muy conmovedora. Se trata de un bebé perdido que por azar del destino, termina en un barrio marginal tras ser abandonado por su adinerada madre, la srita. Edna. Es encontrado por un vagabundo (Chaplin) que al principio intenta deshacerse de esa responsabilidad, sin emabrgo, con varios intentos fallidos, se compadece de él y decide adoptarlo. Cinco años después, él y el chico viven una alegre y picaresca vida que se ganan robando y haciendo pillerias, sin embargo, son felices a su modo y se quieren como padre e hijo.
Sin embargo, los servicios del estado intentarán separarlos ya que argumentan que deben darle una mejor vida a este chico.


La película nos muestra escenarios geniales de las calles pobres de cualquier suburbio de América, con esa genial que tenía Chaplin de enseñarnos la otra cara de la moneda del "sueño americano" y a la gente de clase baja. El vestuario y la ambientación, pese a ser de los años veinte, no demerita en nada.

Otra parte muy remercable y tal vez, lo que me sorprendió de la película, es la genial actuación de Jackie Coogan "El chico", tal vez uno de las primeras estrellas infantiles del cine que realizó una actuación genial. Sin duda, los aplausos se los lleva en una escena en donde se ve que el servicio social lo separa de su querido papá, y ambos, desesperados, forcejean sin éxito para permanecer juntos.

Además, la historia tras esta película es muy triste: Chaplin se inspiró en la dura infancia que padeció, en barrios pobres y vagabundeando, así como el hecho de que había perdido a su hijo, nacido prematuramente y que había fallecido poco antes del rodaje.

La genial escena de Jackie Coogan

También, los efectos de la época fueron muy novedosos al momento de sacar a la luz la película, otra muestra del talento de Chaplin.

Pese a ser una peli muda, no es nada lenta, realmente te puedes conectar con los personajes y de principio a fin la disfrutas. Superecomendada!

Oh, y como dato curioso/impactante o no sé Jackie Coogan es nada más y nada menos que El tío Lucas, sí, el de Los locos Adams! Jo, yo también me sorprendí al saberlo. Literal, esta fue mi cara al enterarme:

En fin, una película genial, hermosa, maravillosa que puedes mirar aquí.

Review: Cantando bajo la lluvia

Título Original: Singing in the rain
Director: Stanley Donen, Gene Kelly
País: Estados Unidos
Año: 1952
Reparto: Gene Kelly, Donald O'Connor, Debbie Reynolds, Jean Hagen, Millard Mitchell

Don Lockwood (Gene Kelly) es una estrella del cine mudo a quien le ha costado mucho llegar hasta la cima en Hollywood. Ha llevado un largo camino en compañía de su íntimo amigo Cosmo Brown (O'Connor). Ahora forma pareja con Lina Lamont, una bella chica, no tan tonta como parece, pero bastante turbia en sus intenciones. Son la pareja de moda de los estudios cinematográficos que dirige R.F. Simpson. Todo va bien hasta que llega un terremoto en la industria cinematográfica: el cine sonoro llega arrasando. Al mismo tiempo, conoce por casualidad a Kathy Selden, una desconocida actriz de teatro que desprecia el cine y de quien se enamora locamente. El público quiere más y hay que reconvertir la última película de Lockwood y Lamont en musical, lo que no sería un problema si no resultara que Lina Lamont tiene una voz de rata completamente inservible para el cine.

En casa lleva dos días sin que deje de llover, en serio. Hay una tormenta tropical que ha sido excusa perfecta para mirar esta peli con título tan adecuado. --por que las clases se han suspendido y por lo tanto, los exámenes--

Genial actuación de O'Connor (Cosmo)

Situado en los fabulosos 20's, cuando el cine sonoro comenzaba, esta película rinde homenaje a la temática que aborda, siendo probablemente uno de los mejores musicales de toda la historia cinematográfica, además de deleitarnos con geniales bailes y vistosos vestuarios.

Fue inevitable recordar El Artista mientras la veía y cada secuencia era como estar sumergida en la industria cinematográfica. Esta es una película sobre las películas y sobre la historia del cine. 

El tema se lleva excelente, mezclando humor, romance, una villana que es a la vez graciosa y hasta simpática, bellezas pin-ups y amistad. No hay forma de que la película no guste.

Cada numero musical es magistral, van genial con la trama. El vestuario y los escenarios no son para menos y lo que ma encantado es que en inicios de los años 50's, decidieran hacer una película sobre un tema que fue innovador en su tiempo: la transmisión cine mudo-cine sonoro. Hoy en día parece que fue hace años luz que las películas son habladas y en los 50's, era relativamente nuevo. Será que por nacer en los 90's me parecen tan distantes esas épocas, jaja.

Un dato super curioso es el hecho de que la actriz que en realidad canta y dobla a Debbie Reynolds (Katy Selden) fue Jean Hagen (Lina Lamont), la actriz a quien en la ficción dobla ésta.

Además, Gene Kelly tenía 39 grados de fiebre cuando se tomó la famosísima escena en donde él canta bajo la lluvia.

Una película que describo con una palabra: Magnífica. 

Mira la peli aquí

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Reseña: Mi vida como un perro - Lasse Hallström

Título original: Mitt liv som hund
Director: Lasse Hallström
Año: 1985
País: Suecia
Idioma: Sueco
Actores: Anton Glanzelius, Melinda Kinnaman & Tomas von Brömssen.

Mi vida como un perro nos cuenta la historia de un chico de doce años, Ingemar y cómo su vida da un giro de 180 grados cuando a su madre le diagnostican una enfermedad terminal.

Otra peli de la lista de las 50 películas que ver a los 14 años. 

Ambientada en los años 50's, la película comienza con una voice-off de Ingemar contándonos qué a pesar de todo lo que ha vivido, las cosas podrían haber sido peores, contándonos varios casos trágicos de accidentes y muertes famosas, así como una recurrente mención de el caso de la perra Laika, enviada al espacio por los rusos sin suficiente comida, por lo que el animal muere de inanición.

Esta película nos muestra de una forma muy tierna la capacidad que tiene el ser humano para superar las situaciones difíciles que se le presentan en la vida, inclusive a una corta edad, en donde la inocencia predomina y el miedo y la necesidad de sentirse protegidos son características esenciales.

Tras el diagnóstico de la enfermad su madre, Ingemar y su hermano son enviados a vivir con algunos parientes por separado. Antes de ese viaje, Ingemar recuerda cómo era su vida antes de la enfermad de su madre y tiene plena confianza en que las cosas volverán a ser iguales. Mientras, encuentra consuelo en su perro, con quien juega y comparte el tiempo libre.

Ingemar y su perro, representando los momentos felices

A pesar de todo, la madre de Ingemar fallece y él tiene que vivir de forma permanente con sus tíos en la pequeña ciudad de  Småland, dónde una serie de personajes muy entrañables acompañaran al chico en esta difícil etapa.

Con la candides de la niñez, el pequeño logra ir superando los problemas: conoce a varios niños, entra a un equipo de futbol y conoce las personalidades de otros adultos del pueblo que le van agarrando cariño al saber su historia. Desde la chica más guapa de la fábrica en donde trabajo su tío, hasta un viejo que vive con ellos y hace que el niño le lea catálogos de lencería. Todo esto le da sus toques de comicidad a una película de un tema ciertamente trágico.

Saga y los chicos ¿ven la diferencia?

Ahí es donde Ingemar conoce a Saga, una tomboy de su edad, la mejor jugando futbol y que se siente atraida por él puesto que comparte interés por el deporte y las aventuras espaciales.

Como generalmente ocurre, los niños son un poco torpes en cuestiones amorosas a esta edad, mientras que las niñas despiertan sus sentimientos y sienten ese gusanito de querer experimentar aquél nuevo sentimiento. Hay una tierna historia entre él y Saga, pasando de ser amigos, a odiarse, a reconciliarse a odiarse un poco más y  finalmente comprenderse.

A pesar de todo, Ingemar descubre que su querido perro, tras la disolución de la familia fue sacrificado cuando él lo creía en una perrera. Esto termina siendo el golpe devastador para Ingemar quién finalmente reconoce que la muerte de su madre lo ha afectado mucho más de lo que estaba dispuesto a admitir, de la culpabilidad que siente por las travesuras y cuánto hacia enojar a su mamá y de cómo a pesar de todo, tendrá que seguir adelante puesto que "siempre hay que poner las cosas en perspectiva, y pudo haber sido peor."

La película me gustó bastante, al final es una gran reflexión sobre la madurez emocional que a muchos nos falta pero que es lo único que puede ayudarnos a superar los obstáculos de la vida,los tropiezos que se dan a lo largo de esta, de crecer y descubrir el amor y la amistad y el estar agradecidos por lo que nos queda, a dejar ir lo que perdemos y a disfrutar las pequeñas cosas de la vida así como afrontar con valentía cada etapa que se nos presente. 

Una película super tienera y conmovedora que cualquiera puede disfrutar por la historia que nos narran.

CURIOSIDADES:

• La peli gano el Globo de Oro a mejor película extranjera en 1988
• Junto con All about Eve y Casablanca, esta es de las películas favoritas del autor Kurt Vunnegan
• El directo de la peli es el mismo que el de Chocolate (2000) y ¿A quién ama Gilbert Grape? (1993) con Leo Di Caprio y Johnny Depp

+ 1/2